Retrato de Tomás Moro - Hans Holbein el joven 1527


Thomas More, también conocido por su nombre castellanizado Tomás Moro, o por su nombre en latín Thomas Morus (Londres, 7 de febrero de 1478 - ibídem, 6 de julio de 1535), fue un pensador, teólogo, político, humanista y escritor inglés, que fue además poeta, traductor, Lord Canciller de Enrique VIII, profesor de leyes, juez de negocios civiles y abogado. Su obra más famosa es Utopía donde busca relatar la organización de una sociedad ideal, asentada en una nación en forma de isla del mismo nombre. Además, Moro fue un importante detractor de la Reforma protestante y, en especial, de Martín Lutero y de William Tyndale.      En 1535 fue enjuiciado por orden del rey Enrique VIII, acusado de alta traición por no prestar el juramento antipapista frente al surgimiento de la Iglesia anglicana, oponerse al divorcio con la reina Catalina de Aragón y no aceptar el Acta de Supremacía, que declaraba al rey como cabeza de esta nueva Iglesia. Fue declarado culpable y recibió condena de muerte. Permaneció en prisión en la Torre de Londres hasta ser decapitado el 6 de julio de ese mismo año. Moro fue beatificado en 1886 y canonizado en 1935, junto con John Fisher, por la Iglesia católica romana, quien lo considera un santo y mártir. Por su parte, la Iglesia anglicana lo considera un mártir de la Reforma protestante, incluyéndolo, en 1980, en su lista de santos y héroes cristianos.
El retrato esta en la Frick Collection, un museo de arte de Manhattan, Nueva York, Estados Unidos. Se encuentra ubicado en la que fuera residencia del magnate del acero Henry Clay Frick, que fue diseñada por Thomas Hastings y construida en 1913-1914.

Referencia:
Wikipedia

Retrato del mercader George Gisze - Hans Holbein el Joven 1532

El Retrato del mercader Gisze es una pintura de Hans Holbein el Joven, actualmente en la Gemäldegalerie de Berlín, Alemania. Se trata de un óleo sobre madera con unas dimensiones de 96 centímetros de alto y 86 de ancho. Fue ejecutada en el año 1532. Es una de las obras maestras del autor y también del Renacimiento al Norte de los Alpes; es una de las obras más extraordinarias de todo el retrato alemán.
La persona retratada es el mercader alemán Georg Gisze (1497-1562), uno de los Giese, familia oriunda de Colonia que se trasladó en 1497 a Danzig (Gdansk). Pertenecía a la Liga hanseática. Desde el año 1522 trabajaba en el Stalhof, puesto de la Liga en Londres.

Hans Holbein d. J. 051.jpgEs probable que la obra fuera un encargo del propio Gisze. Lleva una compleja vestimenta y está rodeado de una serie de artículos alegóricos (cartas, libros, sello, flores, caja del dinero). Holbein demuestra sus habilidades pictóricas de manera impresionante al representar las diferentes materias: el cristal transparente del jarrón, las plantas, la calidad táctil de las ropas, la alfombra.

La pintura tiene una composición muy estudiada, con la mesa oblicua al espacio y la figura ligeramente vuelta al interior del cuadro, donde se amontonan una serie de objetos de manera aparentemente al azar.1

El clavel que aparece en la pintura se toma como símbolo del compromiso matrimonial, en la pintura de la época.

La identificación de Gisze es segura, pues viene en una inscripción latina en la parte superior, sobre la cabeza del retratado. Además, en la parte izquierda se encuentra esta frase latina "nulla sine merore voluptas", atribuida al propio Gisze, y que viene a traducirse como "no hay placer sin sufrimiento". Probablemente haciendo referencia al duro trabajo del mercader en la Edad Moderna, pues aunque estaban muy bien estimados social y económicamente, el llegar a esta consecución conllevaba una ardua labor.

Por otra parte, también puede leerse la carta que tiene en la mano: «engelant the Erszamen/Jorgen gisze ton lunden/in mynem/broder tons handen». El mercader mira fríamente al espectador.

Tipológicamente, Holbein asume dos tradiciones. Por un lado las representaciones italianas de san Jerónimo en su gabinete equipado con libros y otros atributos. Por otro lado, continúa las tradiciones de la pintura flamenca, pudiendo pensarse especialmente en Quentin Massys y su Retrato del cambista y su mujer (1514, Museo del Louvre, París). Los objetos forman un auténtico bodegón, inspirado por la pintura alemana del siglo XV y la holandesa (Jan van Eyck o Hugo van der Goes) aunque sin su cálida luminosidad.1

Hay en este cuadro la monumentalidad del colorido italiano con el realismo en los detalles de la escuela flamenca1

http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_del_mercader_Gisze

Retrato de Gambetta - Leon Bonnat 1886

Jeune avocat, Gambetta s’imposa sous le Second Empire comme un des chefs les plus populaires de l’opposition républicaine, jouant en 1869 un rôle déterminant dans l’élaboration du programme de Belleville.
Le 4 septembre 1870, il fit proclamer la République aux côtés de Jules Favre et de Jules Ferry. Membre parmi les plus actifs du gouvernement de la Défense nationale, il réussit à quitter en ballon Paris assiégé par l’ennemi, afin d’organiser la résistance. Il ne put empêcher la défaite française et l’élection à Bordeaux d’une assemblée en majorité monarchiste. C’est en sillonnant ensuite les campagnes pour diffuser les idées républicaines – leurs défenseurs à l’Assemblée étaient essentiellement issus des grandes villes – qu’il gagna son surnom de « commis voyageur de la République ». Il vota ainsi les lois constitutionnelles de 1875, repoussant la coalition encore favorable à une restauration monarchique. Ses efforts furent récompensés par la victoire du camp républicain aux élections législatives de 1876 et à celles de 1877, consécutives à la dissolution prononcée par Mac-Mahon. Président de la Chambre des députés de 1879 à 1881, Gambetta forma ensuite un éphémère grand ministère d’union républicaine – il ne dura que deux mois. Sa mort brutale en décembre 1882 symbolise la fin de la « République des fondateurs ».


Un portrait posthume

Bonnat exécuta ce portrait après la mort de Gambetta, à la demande d’un des admirateurs de l’homme politique, Joseph Reinach, qui le légua aux Musées nationaux en 1921. Il ne s’agit donc pas d’un portrait officiel, mais d’une œuvre où l’artiste a cherché à rendre la vie et le caractère d’une grande figure politique, encore présente dans les mémoires. Gambetta est représenté à mi-corps, les mains dans les poches, très vivant, prêt à haranguer les députés ou à convaincre des électeurs. Bonnat travailla d’après un cliché déjà ancien d’Etienne Carjat – il datait de 1870. Tout ceci explique sans doute pourquoi ce tableau diffère tant des portraits exécutés généralement par lui, beaucoup plus figés, dont l’intérêt se concentre sur la psychologie du modèle et qui, eux aussi, comptent parmi ses œuvres les plus célèbres : Thiers (1877), Victor Hugo (1879) et Le Cardinal Lavigerie (1888), tous trois conservés au musée national du Château de Versailles.

Interprétation

Avec la mort prématurée de Gambetta – il n’avait que 44 ans –, la IIIe République perdit le principal artisan de son succès et l’un de ses plus brillants serviteurs. Voulant donner au parti républicain sa plus grande crédibilité auprès des Français, Gambetta avait construit un projet politique rassurant et viable, éloigné des souvenirs de la Terreur et des tentations révolutionnaires. Tout comme Jules Ferry, son ami et rival, son ambition allait au delà des urnes : fille des Lumières, la République devait également s’imposer dans les esprits. D’où son combat à l’encontre du cléricalisme.

Commandé trois ans après ses funérailles nationales, ce portrait participe en quelque sorte de la légende républicaine dans laquelle Gambetta est entré dès sa mort. Le transfert de ses cendres au Panthéon en 1920, à l’occasion du cinquantième anniversaire de la IIIe République, n’a fait que la renforcer.


Referencia:  

Los embajadores - Hans Holbein el joven 1533

This picture memorialises two wealthy, educated and powerful young men. On the left is Jean de Dinteville, aged 29, French ambassador to England in 1533.
To the right stands his friend, Georges de Selve, aged 25, bishop of Lavaur, who acted on several occasions as ambassador to the Emperor, the Venetian Republic and the Holy See.
The picture is in a tradition showing learned men with books and instruments. The objects on the upper shelf include a celestial globe, a portable sundial and various other instruments used for understanding the heavens and measuring time. Among the objects on the lower shelf is a lute, a case of flutes, a hymn book, a book of arithmetic and a terrestrial globe.
Certain details could be interpreted as references to contemporary religious divisions. The broken lute string, for example, may signify religious discord, while the Lutheran hymn book may be a plea for Christian harmony.
In the foreground is the distorted image of a skull, a symbol of mortality. When seen from a point to the right of the picture the distortion is corrected.

References:

Retrato Vizcondesa De Poilloue - John Singer Sargent 1883



Campaña de Francia - Ernest Meissonier


De un formato pequeño, bastante inusual para una pintura de historia militar, este cuadro tiene que ver sobre todo con la pasión de Meissonier por la pintura flamenca y holandesa del siglo XVII y muestra su destreza hábil y pulida. A pesar de las reducidas dimensiones, la amplia extensión de la llanura vacía y el bochornoso cielo gris potencian la escena, así como la perspectiva dilatada alrededor de la figura central del emperador, magnificado por un punto de vista levemente inferior.
Los más pequeños detalles están reconstruidos minuciosamente: la barba incipiente de Napoleón, las venas en las patas de los caballos, la nieve sucia por la marcha de las tropas… El director de la Escuela de Bellas Artes, Charles Blanc, decía de Meissonier que "pintaba con grandeza en miniatura".
El pintor aplica la misma meticulosidad, de historiador esta vez, a sus investigaciones preparatorias: reúne una abundante documentación, interroga a diversos testigos oculares y pretende obtener, sin éxito, el préstamo de la levita gris del Emperador.
El enfoque de Meissonier se instala en el movimiento de realismo histórico que invade la pintura y la escultura bajo el Segundo Imperio. El episodio elegido, pese a suceder después de varias victorias, anuncia las próximas derrotas. Ninguna acción, ningún acontecimiento, solo una atmósfera de soledad y de agobio. Las dudas y la resignación de los oficiales, así como de la tropa, son perceptibles y se oponen a la determinación de un Napoleón aislado. Estos sentimientos están subrayados por la gama de colores: toda la escena utiliza tonos ámbar y grises, registros sordos y abatidos. Los protagonistas no pisan una nieve virgen, sino un suelo embarrado.
Campaña de Francia, 1814 es de hecho el primer cuadro de un ciclo inacabado de las conquistas napoleónicas y por el que Meissonier obtuvo un inmenso éxito.

Referencias:

Retrato de Madame de Loynes - Eugene Enmanuel Amaury Duval



Marie-Anne Detourbay est née à Reims dans une famille pauvre et nombreuse; on prétend que durant son enfance, elle fut employée à rincer les bouteilles de champagne. Elle monta à Paris où sous le nom de « Mademoiselle Jeanne de Tourbey » son étoile ne tarda pas à briller d'un grand éclat au firmament de la galanterie.

Elle eut pour premier protecteur Marc Fournier, directeur du théâtre de la Porte-Saint-Martin, qu'elle ruina et qui dut la « céder » au prince Napoléon, cousin de Napoléon III, qui l'installa magnifiquement dans un appartement de la rue de l'Arcade, à deux pas de l'avenue des Champs-Élysées. Elle ne tarda pas à y recevoir une assemblée exclusivement masculine où l'on voyait "le Tout-Paris des Lettres" : Ernest Renan, Sainte-Beuve, Théophile Gautier, Lucien-Anatole Prévost-Paradol, Émile de Girardin.
Par sa meilleure amie, la comédienne Joséphine Clémence d'Ennery, alias Gisette, elle fit la connaissance de Gustave Flaubert, qui tomba amoureux d'elle et lui écrivit des lettres enflammées.
Vers 1862 elle rencontra Ernest Baroche, fils du ministre de Napoléon III, maître des Requêtes au Conseil d'État et directeur du Commerce Extérieur au ministère de l'Agriculture (et industriel du sucre) qui en fut extrêmement amoureux, et se serait fiancé avec elle. Commandant du 12e bataillon des Mobiles de la Seine, il fut tué au combat au Bourget le 30 octobre 1870 - le lendemain de la mort de son père, enfui à Jersey - lui laissant l'énorme somme de 800 000 francs-or - équivalente à 2,4 millions d'euros - ce qui lui permit d'épouser en 1872 l'authentique comte Victor Edgar de Loynes, officier carabinier démissionnaire.
Ce mariage la fit accéder à la haute société, mais les époux ne tardèrent pas à se séparer, le comte partant pour l'Amérique où il disparut; bien que le mariage n'ait été que religieux, car la famille de son époux s'était opposée à leur union civile, elle porta et conserva l'usage des nom et titre de Comtesse de Loynes (ce nom est encore porté par une famille des Deux-Sèvres).
Ses réceptions gagnèrent en prestige; désormais, elle recevait tous les jours entre 5 et 7 heures. Sa "surface mondaine" s'accrut encore lorsqu'elle s'installa sur l'avenue des Champs-Élysées même. Aux célébrités du Second Empire succédaient celles de la Troisième République naissante, nouveau régime que la comtesse de Loynes n'aimait guère : Georges Clemenceau, Georges de Porto-Riche, Alexandre Dumas fils, Ernest Daudet, Henry Houssaye, Pierre Decourcelle, et bientôt toute une pléiade de jeunes écrivains et musiciens emmenés par Maurice Barrès, qui lui offrit ses deux livres Huit jours chez M. Renan (1890) et Du sang, de la volupté, et de la mort (1894), luxueusement reliés pour elle par Charles Meunier en 1897 - réf. : "Vente de très beaux livres des XIXe et XXe siècles" à Paris-Drouot le 4 juin 1986 - arch. pers.) Paul Bourget, Marcel Proust, Georges Bizet et Henri Kowalski.
Au cours de années 1880-1885 elle rencontra chez Arsène Houssaye le critique Jules Lemaître, de quinze ans son cadet, et qui allait devenir l'homme de sa vie. Sous son impulsion, il devait fonder en 1899, la Ligue de la patrie française dont il deviendrait le premier président.
Portant haut les couleurs du nationalisme, ils mirent leurs espoirs politiques - comme, entre autres personnalités, la duchesse d'Uzès - dans le général Boulanger et devinrent passionnément anti-dreyfusards (V. Affaire Dreyfus), ce qui entraîna la rupture avec certains de leurs amis comme Georges Clemenceau (qui aurait été son intime), Georges de Porto-Riche ou Anatole France.
Elle reçut alors dans son salon Édouard Drumont, Jules Guérin, ou Henri Rochefort.
« Vers 1901, [...] tous les soirs, un peu avant sept heures – on dînait très exactement à sept heures chez Mme de Loynes – M. Jules Lemaître remontait la rue d'Artois [...] pour se rendre au fameux entresol où l'attendait une femme blondie, fardée, et qui paraît de satins clairs une soixantaine largement dépassée. [...] Dans son salon, Mme de Loynes opposait crânement ses cheveux décolorés, ses rides et ses atours tapageurs au portrait qu'avait fait d'elle Amaury-Duval : une jeune femme brune, aux cheveux sages, strictement vêtue de velours noir[1]. »
À la fin de sa vie, en janvier 1908, Mme de Loynes aida Charles Maurras et Léon Daudet à fonder l'Action française (quotidien) en offrant 100 000 francs-or.
La comtesse de Loynes a été inhumée au cimetière Montmartre, où elle a rejoint ses parents (30e division, 8e ligne, no 20, chemin Guersant). On pensa un temps que sa tombe, longtemps abandonnée, avait été détruite pour défaut d'entretien et la concession reprise, mais elle est jusqu'à ce jour restée en place, seulement dissimulée par une végétation luxuriante.
http://fr.m.wikipedia.org/wiki/Comtesse_de_Loynes
http://www.wikigallery.org/paintings/80001-80500/80349/painting1.jpg

Retrato de Victor Hugo - Leon Bonnat

Victor Hugo, (Besançon, Francia, 1802 - París, 1885) La infancia de Victor Hugo transcurrió en Besançon, salvo dos años (1811-1812) en que residió con su familia en Madrid, donde su padre había sido nombrado comandante general. De temprana vocación literaria, ya en 1816 escribió en un cuaderno escolar: «Quiero ser Chateaubriand o nada».
Retrato de Victor Hugo. 1879.  Museo D'Orsay, Paris
En 1819 destacó en los Juegos Florales de Toulouse y fundó el Conservateur littéraire, junto con sus hermanos Abel y Eugène, pero su verdadera introducción en el mundo literario se produjo en 1822, con su primera obra poética: Odas y poesías diversas. En el prefacio de su drama Cromwell (1827) proclamó el principio de la «libertad en el arte», y definió su tiempo a partir del conflicto entre la tendencia espiritual y el apresamiento en lo carnal del hombre.Pronto considerado como el jefe de filas del Romanticismo, el virtuosismo de Victor Hugo se puso de manifiesto en Las Orientales (1829), que satisfizo el gusto de sus contemporáneos por el exotismo oriental. La censura de Marion Delorme retrasó su aparición en la escena teatral hasta el estreno de Hernani (1830), obra maestra que triunfó en la Comédie Française.
En 1830 inició una fase de singular fecundidad literaria, en la cual destacaron, además de distintos libros de poesía, su primera gran novela, Nuestra Señora de París, y el drama Ruy Blas. En 1841 ingresó en la Academia Francesa pero, desanimado por el rotundo fracaso de Los burgraves, abandonó el teatro en 1843. La muerte de su hija Léopoldine, acaecida mientras él estaba de viaje, sumada al desengaño por la traición de su esposa con su amigo Sainte-Beuve, lo sumieron en una honda crisis.
Entregado a una actividad política cada vez más intensa, Victor Hugo fue nombrado par de Francia en 1845. Pese a presentarse a las elecciones de 1848 en apoyo de la candidatura de Luis Napoleón Bonaparte, sus discursos sobre la miseria, los asuntos de Roma y la ley Falloux anticiparon su ruptura con el Partido Conservador. El 17 de julio de 1851 denunció las ambiciones dictatoriales de Luis Napoleón y, tras el golpe de Estado, huyó a Bélgica. Si bien es cierto que no publicó ninguna obra entre 1843 y 1851, concibió su novela Los miserables y compuso numerosos poemas que aparecieron posteriormente.
En 1852 se instaló, con su familia, en Jersey (Reino Unido), de donde pasó en 1856 a Guernesey. Allí permaneció, en su propiedad de Hauteville-House, hasta 1870. Republicano convencido, denunció sin tregua los vicios del régimen conservador de su país y en 1859 rechazó la amnistía que le ofrecía Napoleón III.

Referencia:
http://www.histoire-image.org/site/oeuvre/analyse.php?i=299&d=1&a=217

El Manantial - Jean Auguste Dominique Ingres, 1856

Jean Auguste Dominique Ingres, El manantial, 1820-1856

Bosquejado hacia 1820, el lienzo tan sólo fue acabado en 1856. Ingres estaba entonces asistido por dos alumnos, práctica corriente para los grandes formatos. La influencia de los medios de expresión propios de la escultura, en el tratamiento de la ninfa, es sorprendente. En un formato vertical, el desnudo en pié está como integrado en un nicho. Junto con la postura del modelo, esta construcción proporciona al Manantial la inmovilidad del mármol. Esta comparación no es de sorprender, debido a la importancia de la estatuaria de la antigüedad para la corriente neoclásica, de cuya Ingres fue el jefe de fila.

Los críticos de arte de la época también se plantearon interrogantes respecto a la ambición del pintor de elaborar una figura de belleza ideal y sobre la parte de realismo. En los contornos del cuerpo, la pincelada se vuelve menos brillante, más aterciopelada, como para sugerir el grano de la piel y dar la ilusión de la carne. Pese a que Ingres siga fiel a la enseñanza clásica de David, por la importancia otorgada a la línea y al dibujo, va más allá de este marco y su innovador estilo abre paso a artistas como o Picasso. El cuerpo estirado es el pretexto de un juego de las serpentinas líneas, el tratamiento del modelo es el objeto de una extraordinaria simplificación de los recursos y la ausencia de profundidad realzan la presencia de la silueta.

Con su primer propietario, el conde Duchâtel, este cuadro estaba "rodeado de grandes plantas y de flores acuáticas, para que la ninfa del manantial tuviese todavía más un aire de persona real". Théophile Gautier describe así al final, esta síntesis entre real e ideal: "Jamás carnes más ágiles, más frescas, más penetradas de vida, más impregnadas de luz, se ofrecieron a las miradas en su púdica desnudez. Esta vez, el ideal se ha vuelto trampantojo".


El Manantial ( 1820 - 1856). Museo D'Orsay, Paris.

http://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas/pintura/commentaire_id/el-manantial-3224.html?tx_commentaire_pi1%5BpidLi%5D=509&tx_commentaire_pi1%5Bfrom%5D=841&cHash=bb81368521